TRABAJO DE AFICHE
Este trabajo se hizo con lo mismo del bodegón que era del el cartón pierda acá lo hicimos en un afiche y así quedo nuestro bodegón.
jueves, 11 de junio de 2015
Trabajo de clase
TRABAJO DE AFICHE
Este trabajo se hizo con lo mismo del bodegón que era del el cartón pierda acá lo hicimos en un afiche y así quedo nuestro bodegón.
CONCLUSIONES
CONCLUSIONES
- En este trabajo pudimos saber como hacer un trabajo de bodegón
- Pudimos saber y reconocer como se pintaba en oleos
- Conocimos los pasos a seguir para hacer un bodegón pintado a oleo
- Reconocimos las diferentes texturas y colores que tienen los bodegones al utilizar el temple al huevo.
COMO INVESTIGO
COMO INVESTIGO
Los aspectos mas relevantes del ejercicio de investigación e la forma y las técnicas básicas de la organización y desarrollo de un bodegón, su forma de desarrollar y como las ideas de todos ayudan a unificar una sola y hacerla una verdadera obra de arte, el pos-producción y el cumplimiento de las responsabilidades de cada integrante del grupo y producción al momento del dibujar y desarrollar de un ámbito artístico grupal y unido.
Al igual que el conocimiento teórico – practico fueron de gran
ayuda y de especial labor. El bodegón es el arte de ilustrar elementos.
Como desde la indagación y la investigación se puede llegar a un
trabajo correcto.
El óleo, palabra proveniente del Latín oleum (aceite)1 , es una
técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con
un aglutinantea base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por
extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas
mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal,
madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo otabla. El óleo
permanece húmedo mucho tiempo, lo que favorece la mezcla de colores.
Pigmento para pintura al oleo
Las pinturas al óleo si se
pueden hacer… hay algunos autores que recomiendan hacerlo. La forma de hacerlo
depende de que cantidad desees fabricar. Por lo pronto, asumo que preparas
cantidades pequeñas, para uso diario. La forma de prepararlo es sencilla, para
ello necesitaras una o mejor dos espátulas de las utilizadas para arte,
pigmento del color deseado, aceite de linaza y un vidrio sobre una mesa.
El vidrio debe estar adherido a la mesa, para ello puedes poner papel periódico debajo para que no resbale, o intenta colocar debajo del vidrio en sus esquinas pedacitos de una goma para borrar que parece plastilina, que aquí en Colombia le llamamos limpia tipo
El vidrio debe estar adherido a la mesa, para ello puedes poner papel periódico debajo para que no resbale, o intenta colocar debajo del vidrio en sus esquinas pedacitos de una goma para borrar que parece plastilina, que aquí en Colombia le llamamos limpia tipo
SUPERPOSICIÓN DE LAS ONDAS
SUPERPOSICIÓN DE LAS ONDAS
En este trabajo utilizamos una nueva técnica de pintura ya que nosotros no sabíamos porque nunca nos habían enseñado pero con esas enseñanzas podemos poner en practica todo nuestro conocimiento.
ANGIE CASTILLO
STEFHANIAS CAMELO
 |
SANTIAGO
LEON RINCON
TATIANA ROCHA
PERTURBACION DE LA ONDAS
PERTURBACIÓN DE LA ONDAS
- La falta de creatividad
- En el momento no fue el adecuado
- Las malas imágenes que nosotros mismos escogimos y que quedo mal
- Falta de interés
- Falta de esfuerzo
NOTA: todo lo que aprendimos en clase lo tuvimos que poner en practica para la elaboración de este trabajo.
ESTAR EN LA ONDA DEL ARTE
Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador o sonido y vídeo.
ESTAR EN LA ONDA DEL ARTE
Con lo que hemos conocido y hemos aprendido a elaborar un bodegon con un metodo el cual fue el temple al huevo.
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.
nformación de la obra original 
CONSTRUYENDO RESPUESTAS
CONSTRUYENDO RESPUESTAS:
Para la construcción
de las respuestas, las cuales previamente se convirtieron en problemas, tenemos
en cuenta el “aprender a investigar e investigar para aprender” y para ello nos
centramos en grupo de investigación conforme a la metodología ondas y los
diferentes tipos de aprendizaje así
· Aprendizaje situado:
En este aprendizaje
motivamos a nosotros, y estudiantes a aprender trabajando en grupo escuchando y
proponiendo, para ello se plantean varias estrategias para recolectar
información y que implique como necesidad la colaboración de los integrantes
para alcanzar el objetivo.
Las herramientas
son: el mapa mental y la lluvia de ideas
· Aprendizaje colaborativo:
En este aprendizaje
se ínsita al grupo de trabajo a asumir las responsabilidades de buscar su propio
conocimiento para luego compartirlo, para que así como el de todos manejen el
mismo conocimiento el cual se completa, mejora, o corrige con lo investigado
por otro en el grupo de investigación.
Las herramientas
son: asignar tareas, dividir el trabajo, socializar lo conseguido.
· Aprendizaje problematizado:
En este aprendizaje
partimos del error, y la crítica para fomentar la participación de los
integrantes del grupo, para que exista un a aprendizaje de la polémica debemos
partir de lo conocido para llegar a los desconocido iniciando con verdades a
medias que se deben completar para que sean lógicas derivando en un a
aprendizaje por descubrimiento.
Las herramientas
son: preguntas abiertas, explicaciones sesgadas y socialización de lo aprendido
· Aprendizaje por indagación:
Este aprendizaje es
la columna verbal de la investigación, ya que sus métodos, herramientas y
técnicas son el fundamento en el trabajo de recolección de información que
permita lograr un conocimiento propio a través de la asociación de los
diferentes saberes presentados en el grupo.
OBJETIVOS
OBJETIVOS:
Objetivo general:
v lograr que los estudiantes seamos capaces de fundamentar nuestros
trabajos de expresión y de comunicación mediante la investigación artística
OBJETIVOS
ESPECIFICOS:
a) Investigar y
fundamentar antes de desarrollar cualquier ejercicio artístico
b) Lograr reconocer
el arte como una ciencia que está presente como una teoría y como práctica, ya
que una depende de la otra
c) Demostrarnos como
estudiantes que un trabajo artístico adquiere más valor cuando este posee un
alto contenido teórico y una buena fundamentación
d) Lograr asociar la
teoría en la practica
e) Incentivarnos como
estudiantes a emplear el lenguaje artístico como medio de comunicación
universal y de riqueza conceptual
f) Lograr expresarnos
por un medio artístico sustentando en la experiencia cultural
g) Hacer que nosotros
nos reconozcamos como un ser capaz de crear obras de arte con sentido estético
INVESTIGACIÓN INDIVIDUAL
INVESTIGACIÓN INDIVIDUAL
TRABAJO DE ESTEFHANIA CAMELO
¿Qué
soporte se emplean en pintura al oleo?
Pintura al óleo
El óleo es una técnica
pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de
origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas
ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada
naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea
aplicado sobre lienzo o tabla. El óleo
permanece húmedo mucho tiempo, lo que favorece la mezcla de colores.
¿Cómo se fabrican los pigmentos
para pintar al oleo?
Al tener la pintura al óleo una composición pastosa,
necesitamos diluirla para poder trabajar bien con ella, ya que si no lo
hiciéramos resultaría casi que imposible trabajarla con facilidad como para
lograr los resultados que en nuestra mente tenemos.
Entonces para lograr tal fin, es donde juega un papel fundamental
el disolvente o diluyente, ya que al mezclarlo con el
óleo logramos la elasticidad que queramos, y así poder trabajarlo con
comodidad.
¿Que diluyente y disolvente se emplea en
pintura al oleo?
Existen tres tipos de disolventes
o diluyentes para el óleo:
1) La esencia de trementina rectificada
Es el disolvente
más tradicional, la mejor que encontramos es la esencia de trementina
rectificada o doblemente rectificada, que también es la más pura y refinada.
Cuando se evapora,
la esencia de trementina desaparece por completo.
Podemos encontrar
la que se venden en droguerías destinadas a pintores de brocha gorda y que
están menos refinadas.
IMPORTANTE
PRECAUCIÓN: Cuando la compres ha de estar completamente transparente. Si posee
un tono amarillento es porque está en mal estado.
2) El
aguarrás mineral
El aguarrás mineral
es el sustituto ideal de la esencia de trementina, y lo encontramos en
pinturerías y ferreterías. Se obtiene del petróleo, y no envejece como la trementina
ya que es de evaporación algo más lenta, desapareciendo también por
completo.
El problema tanto
de la esencia de trementina como del aguarrás mineral es su fuerte olor.
3) El
disolvente sin olor
Para solucionar
dicho problema es que se ha inventado el disolvente o diluyentesin
olor, que podemos comprar en tiendas de bellas artes o en tiendas de pintura
doméstica.
Es un aguarrás
mineral desaromatizado. Si trabajamos en lugares poco ventilados (no
recomendable) o estamos en conjunto con otros alumnos por ejemplo en una
academia, es necesario usar este tipo de diluyente para no generar una
atmósfera que pueda inclusive derivar en mareos a ciertas personas.
No nos conviene
usar algún tipo de disolvente universal, ya que es un disolvente de tolueno
fuerte muy potente.
¿Clases de pinceles empelados en pintura al
oleo?
Si
has ido ya a alguna tienda de arte, te habrás confundido con tanta variedad de pinceles para pintar al óleo que
te pueden presentar, pero para comenzar sólo es necesario unos pocos,
luego descubrirás tus preferencias.
Te
presento una guía básica para que te ayude a escoger los pinceles que necesitas
y avances un paso más en el conocimiento de cómo pintar al óleo.
Para
la pintura en óleo por lo general se usan pinceles de mango largo, ya que esto
permite ampliar el ángulo de visión y además dentro de la técnica adecuada , se
recomienda no apoyar la mano en el lienzo, para evitar mancharnos y dañar el
trabajo, ya que seca muy lento. También un mango largo nos ayuda a desarrollar el
pulso y la perfección en los detalles. Sin embargo también están disponibles de
mango corto para los pinceles usados en detalles o para pintar al aire libre.
Tipos principales de pinceles
para pintar al óleo:
Tipos de pinceles según el origen
de los pelos:
Para
pintar en óleo los más utilizados son los de pelo de cerda, y sintéticos
entre otros. Estos últimos hoy en día se pueden encontrar de muy buena calidad
y a muy buen precio. También están los pinceles de pelo natural (como el de
marta), usados principalmente para detalles finos, difuminaciones, etc, pues
por su suavidad prácticamente no dejan huellas, pero su precio es algo elevado.
Puedes
comenzar con pinceles sintéticos o de cerdas, pero de buena calidad (el
vendedor de la tienda te podrá asesorar), para que los utilices mientras te
familiarizas con los colores, las técnicas y su cuidado. Te sugiero no comprar
los pinceles ultra-económicos ya que pierden los pelos muy fácil y se deforman
a tal punto que se dificulta pintar. Luego, cuando quieras avanzar en
este camino, vas eligiendo otros de mayor rango en cuanto a calidad.
Nunca te sobrarán los pinceles anteriores, pues son de gran ayuda al hacer
trabajos más “pesados”, efectos especiales o que exigen un trato un poco más
rudo.
¿clase de temples empleados en pintura al
oleo?
Las técnicas
No es nuestra finalidad
dar a conocer de manera detallada todas las técnicas pictóricas, que por sí
solas serían objeto de un sólo y amplio estudio especializado, sino dejar
constancia de su existencia a lo largo de la Historia del Arte. Cabe observar
que la técnica pictórica tiene múltiples modalidades dentro de unos grandes
apartados que intentaremos definir. Cada artista tiene su técnica, que si en la
actualidad es fácil de saber, en la Antigüedad se guardaba celosamente como
invariante de cada artista.
En la Prehistoria se
utilizaba el carbón vegetal, pigmentos a base de hierro -rojo- y manganeso -negro-, y también,
esporádicamente, sangre y caseína, todos ellos mezclados con grasa animal que cumplía la función de
aglutinante.
El temple, el fresco y la encáustica son tres técnicas que se iniciaron en el mundo antiguo
grecorromano y egipcio. La técnica del temple tiene múltiples formulaciones y fue utilizada como procedimiento
de pintura mural. En Egipto se aglutinaban los pigmentos con agua y goma, colas
y huevo, aplicándolos en zonas concretas, sin mezclar los colores. Generalmente
es la yema de huevo, mezclada con látex de retoño de higuera y agua, la manera
empleada por los grandes pintores italianos del Trecento y del Quattrocento,
tales como Cimabaue, Giotto, Fra Angélico, Mantegna…, añadiéndose a veces al
fresco, para crear una técnica mixta que permitía las veladuras. Este parece ser el caso de Giotto en
las pinturas murales de la Capilla Bardi en la iglesia florentina de la Santa
Croce.
TRABAJO DE ANGIE CASTILLO
¿QUÉ SOPORTE SE EMPLEAN EN PINTURA AL OLEO?
El óleo, palabra
proveniente del Latín oleum (aceite) , es una técnica pictórica consistente en
mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de
origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas
mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal,
madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo
o tabla.
El óleo permanece húmedo mucho tiempo, lo que
favorece la mezcla de colores. Historia El uso del óleo se conoce desde la
Antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media, aunque de
modo minoritario ya que en esa época predominaba la pintura al temple o al
fresco. A fines del siglo XIV y durante el siglo XV, se comenzó a generalizar
el uso del óleo en detrimento de otras técnicas, ya que permitía un secado más
lento de la pintura, correcciones en la ejecución de la misma y una excelente
estabilidad y conservación del color. Fueron los pintores de Flandes los
primeros en usar el óleo de forma habitual, y se atribuye, erróneamente, su
invención al pintor Jan van Eyck.[2] El aceite que más se empleaba era el de
linaza, pero no era el único y cada artista tenía su propia fórmula que se
solía guardar en secreto. Normalmente se emplea la esencia de trementina como
disolvente, para conseguir una pincelada más fluida o más empastada, según el
caso. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del
monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100. Cennino Cennini,
en su Libro del arte, también menciona y describe la técnica.[3]
¿CÓMO SE FABRICAN LOS PIGMENTOS PARA PINTAR AL OLEO?
La receta de óleo
pictórico consiste en la fabricación de un médium o aglutinante aceitoso. Una
vez tengamos el aglutinante, éste y los pigmentos se unen bien amasándolos con
una espátula o con una muleta de cuero sobre una buena base. Los óleos se
pueden guardar en tubos de pintura vacíos y que se cierran por la parte
inferior.
Virgen de Van Eyck
pintada al óleo.
RECETA DEL
AGLUTINANTE PARA ÓLEO
100 cm3 de Barniz Dammar
50 cm3 de Aceite de Linaza cocido
5 cm3 de Trementina de Venecia
1 g de Cera Virgen disuelta en 3 cm3 de Aguarrás.
¿QUE DILUYENTE Y DISOLVENTE SE EMPLEA EN PINTURA AL OLEO?
Al tener la pintura
al óleo una composición pastosa,
necesitamos diluirla para poder trabajar bien con ella, ya que si no lo
hiciéramos resultaría casi que imposible trabajarla con facilidad como para
lograr los resultados que en nuestra mente tenemos.
Entonces para lograr tal fin, es donde juega
un papel fundamental el disolvente o diluyente, ya que al mezclarlo con el óleo logramos la elasticidad que
queramos, y así poder trabajarlo con comodidad.
Existen tres tipos de disolventes o diluyentes para el óleo:
1) La esencia de trementina rectificada
Es el disolvente más tradicional, la mejor que
encontramos es la esencia de trementina rectificada o doblemente rectificada,
que también es la más pura y refinada.
Cuando se evapora, la esencia de trementina
desaparece por completo.
Podemos encontrar la que se venden en
droguerías destinadas a pintores de brocha gorda y que están menos refinadas.
IMPORTANTE PRECAUCIÓN: Cuando la compres ha de
estar completamente transparente. Si posee un tono amarillento es porque está
en mal estado.
2) El aguarrás mineral
El aguarrás mineral es el sustituto ideal de
la esencia de trementina, y lo encontramos en pinturerías y ferreterías. Se
obtiene del petróleo, y no envejece como la trementina ya que es de
evaporación algo más lenta, desapareciendo también por completo.
El problema tanto de la esencia de trementina
como del aguarrás mineral es su fuerte olor.
3) El disolvente sin olor
Para solucionar dicho problema es que se ha
inventado el disolvente o diluyentesin olor,
que podemos comprar en tiendas de bellas artes o en tiendas de pintura
doméstica.
Es un aguarrás mineral desaromatizado. Si
trabajamos en lugares poco ventilados (no recomendable) o estamos en conjunto
con otros alumnos por ejemplo en una academia, es necesario usar este tipo de
diluyente para no generar una atmósfera que pueda inclusive derivar en mareos a
ciertas personas.
No nos conviene usar algún tipo de disolvente
universal, ya que es un disolvente de tolueno fuerte muy potente.
¿CLASES DE PINCELES EMPELADOS EN PINTURA AL OLEO?
Si has ido ya a alguna tienda de arte, te habrás confundido
con tanta variedad de pinceles para pintar al óleo que
te pueden presentar, pero para comenzar sólo es necesario unos pocos,
luego descubrirás tus preferencias.
Te presento una guía básica para que te ayude a escoger los
pinceles que necesitas y avances un paso más en el conocimiento de cómo
pintar al óleo.
Para la pintura en óleo por lo general se usan pinceles de
mango largo, ya que esto permite ampliar el ángulo de visión y además dentro de
la técnica adecuada , se recomienda no apoyar la mano en el lienzo, para evitar
mancharnos y dañar el trabajo, ya que seca muy lento. También un mango largo
nos ayuda a desarrollar el pulso y la perfección en los detalles. Sin embargo
también están disponibles de mango corto para los pinceles usados en detalles o
para pintar al aire libre.
Tipos principales de pinceles para pintar al óleo:
Tipos de pinceles según el origen de los pelos:
Para pintar en óleo los más utilizados son los de pelo de
cerda, y sintéticos entre otros. Estos últimos hoy en día se pueden
encontrar de muy buena calidad y a muy buen precio. También están los pinceles
de pelo natural (como el de marta), usados principalmente para detalles finos,
difuminaciones, etc, pues por su suavidad prácticamente no dejan huellas, pero
su precio es algo elevado.
Puedes comenzar con pinceles sintéticos o de cerdas, pero de
buena calidad (el vendedor de la tienda te podrá asesorar), para que los
utilices mientras te familiarizas con los colores, las técnicas y su cuidado.
Te sugiero no comprar los pinceles ultra-económicos ya que pierden los pelos
muy fácil y se deforman a tal punto que se dificulta pintar. Luego,
cuando quieras avanzar en este camino, vas eligiendo otros de mayor rango en
cuanto a calidad. Nunca te sobrarán los pinceles anteriores, pues son de
gran ayuda al hacer trabajos más “pesados”, efectos especiales o que exigen un
trato un poco más rudo.
Tipos de pinceles según la forma:
1. Redondos
Se usan por lo general para hacer líneas y detalles.
Exigen más cuidado, pues su deterioro conduce a la pérdida de la forma.
Para reconocer un buen pincel redondo te recomiendo si es posible que lo
sumerjas en un poco de agua, ya que algunos pinceles de mala calidad logran la
forma redonda mediante gomas que unen sus pelos, pero al perderse ésta el
pincel queda “despeinado”.
Tiene algunas variantes como los avellanados,
puntiagudos, delineadores, etc.
2. Planos
Tienen sus pelos todos dispuestos del mismo tamaño y a la
misma altura, sirven para mezclar colores, esparcir el óleo en superficies,
hacer líneas tanto delgadas como gruesas, pinceladas cuadradas, etc.
Dentro de estos hay otras sub-categorías, como los cuadrados
que son más cortos, y los tipo brocha, que son para grandes superficies,
entre otros.
3. Lengua de gato
Es una fusión entre el pincel redondo y el plano, pues su
forma es achatada pero en sus extremos los pelos son algo más cortos, curvados
hacia el centro. Tiene gran versatilidad pues sirve para mezclar colores
, hacer detalles, pétalos, hojas, contornos definidos, etc.
4. Abanico
Su nombre describe su forma, son de muy fácil manejo y limpieza.
Muy útiles a la hora de pintar follajes, pasto, nubes, texturas,
difuminaciones, etc.
¿CLASE DE TEMPLES EMPLEADOS EN PINTURA AL OLEO?
Las técnicas
No es nuestra finalidad dar a conocer de manera detallada
todas las técnicas pictóricas, que por sí solas serían objeto de un sólo y
amplio estudio especializado, sino dejar constancia de su existencia a lo largo
de la Historia del Arte. Cabe observar que la técnica pictórica tiene múltiples
modalidades dentro de unos grandes apartados que intentaremos definir. Cada
artista tiene su técnica, que si en la actualidad es fácil de saber, en la
Antigüedad se guardaba celosamente como invariante de cada artista.
En la Prehistoria se utilizaba el carbón vegetal, pigmentos a
base de hierro -rojo- y manganeso -negro-, y también, esporádicamente, sangre y caseína, todos ellos
mezclados con grasa animal que cumplía la función de aglutinante.
El temple, el fresco y
la encáustica son
tres técnicas que se iniciaron en el mundo antiguo grecorromano y egipcio. La
técnica del temple tiene
múltiples formulaciones y fue utilizada como procedimiento de pintura mural. En
Egipto se aglutinaban los pigmentos con agua y goma, colas y huevo,
aplicándolos en zonas concretas, sin mezclar los colores. Generalmente es la
yema de huevo, mezclada con látex de retoño de higuera y agua, la manera
empleada por los grandes pintores italianos del Trecento y del Quattrocento,
tales como Cimabaue, Giotto, Fra Angélico, Mantegna…, añadiéndose a veces al
fresco, para crear una técnica mixta que permitía las
veladuras. Este parece ser el caso de Giotto en las pinturas murales de la Capilla Bardi en
la iglesia florentina de la Santa Croce.
En la
evolución plástica pictórica del mundo moderno, el temple ocupa un lugar de
honor en el Quattrocento italiano, siendo sustituido a finales del siglo por
las primeras experiencias al óleo. La técnica del temple se
realiza por yuxtaposición
de colores y no por superposición.
Cennnini explica de manera admirable el proceso: «Comienza a dar color oscuro
-se refiere a los vestidos- formando los pliegues, en las zonas de sombra de la
figura; y como del mismo modo toma un color intermedio, haz resaltar los
relieves de los pliegues y de la parte en la que da menos luz a la figura.
Después toma el color más claro y colorea los relieves y las partes salientes
de la zona iluminada de la figura. Y del mismo modo que has comenzado, sigue
poco a poco con los diferentes colores, primero con uno, luego con otro,
haciéndolos destacarse y volviéndolos a unir con buen sentido, difuminándolos
con delicadeza». Fra Angélico lo aplica de manera perfecta.
El fresco es la modalidad técnica
más frecuente en la pintura mural. Se realiza sobre revoque de cal húmeda que
sirve de soporte para los diversos pigmentos disueltos en agua. Los colores
utilizados son preferentemente de origen mineral: blanco de San Juan (carbonato
cálcico) y cal muerta (hidróxido de calcio) para el blanco; ocres naturales y
tostados para el amarillo y el rojo; tierras para el rojo y el verde;
lapislázuli para el azul; sombra de hueso natural y tostada para los marrones;
y negro de marfil, de hueso o de carbón de vid para el negro. La realización
del fresco precisa una gran preparación técnica y no permite rectificaciones,
ya que éstas se hacen muy evidentes. Se emplea la sinopia, es decir, un dibujo
preparatorio sobre el revoque que permite fijar los contornos y marcar las
jornadas en las que se realizará la obra. Su origen, con variaciones en la
técnica, hay que buscarlo en las culturas pinturas antiguas del Próximo Oriente
-Mesopotamia, Asiria- y del Mediterráneo -Creta, Grecia y Roma-, encontrándose
también ejemplos en China y en la India. Sin embargo, es a partir de Bizancio
cuando adquiere una importancia capital que se acrecentará en los períodos
románico, gótico y renacentista. Recordemos a título de ejemplo las pinturas
románicas del Pirineo catalán y las obras de Giotto -siglo XIV-, Masaccio
-siglo XV- y Miguel Angel -siglo XVI- en Italia. La gran decoración barroca
tiene ejemplos esplendorosos que van de Annibale Carracci en la galería Farnese, de Roma, a
Tiépolo en el Palacio Real de
Madrid. En el siglo XIX Goya destaca por su técnica libre, que podemos admirar
en la ermita deSan Antonio de la
Florida en Madrid.
La escuela mejicana actual -Rivera, Orozco- ha aplicado de manera ortodoxa esta
técnica a sus monumentales murales.
Algunas modalidades de pintura sobre muro se acercan del
fresco, sin adquirir las tonalidades de aquél. Así podemos citar elfresco-seco, que aplica los
pigmentos en la pared casi seca, para terminar la obra con colores mezclados
con agua de cal (mezzo-fresco).
A este procedimiento mixto podemos añadir los preparados actuales y la pintura
al óleo, que se utilizan sobre el muro, y varias técnicas propias de cada
autor.
TRABAJO DE TATIANA ROCHA
¿QUÉ ES EL OLEO?
El óleo es una técnica pictórica consistente
en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal.
¿EN QUÉ MATERIAL SE PUEDEN
DESARROLLAR?
Por extensión, se
denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante
esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera,
piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla.
PIGMENTOS
Tradicionalmente el
artista preparaba sus propios colores, mezclando pigmentos con aceite de lino y
resina. A finales del s. XIX comenzaron a comercializarse tubos con colores al
óleo ya preparados. Después vino el amarillo
indio muy apreciado por los
pintores flamencos de los siglos XVII y XVIII, producido a partir de orina de
ganado alimentado únicamente con hojas de mango.
Actualmente much<os
pigmentos naturales como:
·
Azul ultramar: en su origen el pigmento se obtenía
de una piedra semipreciosa, el lapislázuli. Era el color utilizado en la
pintura de los mantos de la Virgen, y era frecuente que su cantidad, uso y
extensión fuera objeto de especificaciones muy precisas en los contratos
realizados entre los comitentes y el artista, así como el uso del pan de oro.
·
Amarillo de cromo: elaborado
originalmente a base de cromato de plomo, un pigmento de color intenso con
variaciones desde tonos claros hasta casi naranja. Fue empleado hasta mediados
del siglo XIX, y uno de los
colores preferidos por Vincent van Gogh.
La alta toxicidad del cromo, así como su poca estabilidad ante la luz, lo
fueron dejando en desuso.
·
Carmín: tradicionamelte producido con
cochinillas Kermes vermilio, y, a partir del
s. XVI, con cochinilla americana,
resultaba un pigmento de un rojo intenso aunque poco estable a la luz en su
utilización al óleo.
·
Cardenillo: la pintura al
óleo preparada con este pigmento obtenido de la pátina verdosa del cobre,
también conocido como verdigris, se presentaba inicialmente de un color
verde-azulado y demoraba aproximadamente un mes para alcanzar su tonalidad
verde estable, además de ser sumamente tóxico.
DISOLVENTES Y DILUYENTES
Al tener la pintura al óleo una composición pastosa,
necesitamos diluirla para poder trabajar bien con ella, ya que si no lo
hiciéramos resultaría casi que imposible trabajarla con facilidad como para
lograr los resultados que en nuestra mente tenemos.
Entonces para lograr tal fin, es donde juega un papel fundamental
el disolvente o diluyente,
ya que al mezclarlo con el óleo logramos la elasticidad que queramos, y así
poder trabajarlo con comodidad.
Existen tres tipos de disolventes
o diluyentes para el óleo:
1) La esencia de trementina rectificada
Es el disolvente
más tradicional, la mejor que encontramos es la esencia de trementina
rectificada o doblemente rectificada, que también es la más pura y refinada.
Cuando se evapora,
la esencia de trementina desaparece por completo.
Podemos encontrar
la que se venden en droguerías destinadas a pintores de brocha gorda y que
están menos refinadas.
IMPORTANTE
PRECAUCIÓN: Cuando la compres ha de estar completamente transparente. Si posee
un tono amarillento es porque está en mal estado.
2) El
aguarrás mineral
El aguarrás mineral
es el sustituto ideal de la esencia de trementina, y lo encontramos en pinturerías
y ferreterías. Se obtiene del petróleo, y no envejece como la trementina ya que
es de evaporación algo más lenta, desapareciendo también por completo.
El problema tanto
de la esencia de trementina como del aguarrás mineral es su fuerte olor.
3) El
disolvente sin olor
Para solucionar
dicho problema es que se ha inventado el disolvente o diluyente sin
olor, que podemos comprar en tiendas de bellas artes o en tiendas de pintura
doméstica.
Es un aguarrás
mineral desaromatizado. Si trabajamos en lugares poco ventilados (no
recomendable) o estamos en conjunto con otros alumnos por ejemplo en una
academia, es necesario usar este tipo de diluyente para no generar una
atmósfera que pueda inclusive derivar en mareos a ciertas personas.
No nos conviene usar
algún tipo de disolvente universal, ya que es un disolvente de tolueno fuerte
muy potente.
TRABAJO DE SANTIAGO LEON RINCON
¿Qué
soporte se emplean en pintura al oleo?
Soporte pictórico es la superficie sobre la que se aplica el color en una pintura. Cumple la misión de portar el fondo y las capas de pintura. El
soporte y el color son los dos elementos indispensables de este arte. El fondo es
la capa de preparación entre el soporte y la pintura, necesaria en materiales
como la piedra o la tela (imprimación).
A lo largo de la historia, se ha pintado sobre
una gran variedad de soportes, cada uno de ellos con su propias
características, como son latextura y absorción. Estas circunstancias
determinan el tipo de pigmento que puede aplicarse y, en general, el
tratamiento del mismo. Los soportes más usuales han sido: paredes (pintura al fresco o murales), tablas de madera, lienzos y pergamino o papel. El lienzo es el soporte más extendido de la historia de la pintura, que permite grandes superficies sobre las que pintar con menos
peso.
¿Cómo se fabrican los
pigmentos para pintar al oleo?
La receta de óleo pictórico consiste en la
fabricación de un médium o aglutinante aceitoso. Una vez tengamos el
aglutinante, éste y los pigmentos se unen bien amasándolos con una espátula o
con una muleta de cuero sobre una buena base. Los óleos se pueden guardar en
tubos de pintura vacíos y que se cierran por la parte inferior.
Virgen de Van Eyck pintada al óleo.
RECETA DEL AGLUTINANTE PARA ÓLEO
o 100 cm3 de Barniz Dammar
o 50 cm3 de Aceite de Linaza
cocido
o 5 cm3 de Trementina de Venecia
o 1 g de Cera Virgen disuelta en
3 cm3 de Aguarrás.
¿Que diluyente y
disolvente se emplea en pintura al oleo?
Al tener la pintura al óleo una composición pastosa,
necesitamos diluirla para poder trabajar bien con ella, ya que si no lo
hiciéramos resultaría casi que imposible trabajarla con facilidad como para
lograr los resultados que en nuestra mente tenemos.
Entonces para lograr tal fin, es
donde juega un papel fundamental el disolvente o diluyente, ya que al mezclarlo con el óleo logramos la elasticidad que
queramos, y así poder trabajarlo con comodidad.
Existen tres tipos de disolventes o diluyentes para el óleo:
1) La esencia de trementina rectificada
Es el disolvente más
tradicional, la mejor que encontramos es la esencia de trementina rectificada o
doblemente rectificada, que también es la más pura y refinada.
Cuando se evapora, la esencia
de trementina desaparece por completo.
Podemos encontrar la que se
venden en droguerías destinadas a pintores de brocha gorda y que están menos
refinadas.
IMPORTANTE PRECAUCIÓN: Cuando
la compres ha de estar completamente transparente. Si posee un tono amarillento
es porque está en mal estado.
2) El
aguarrás mineral
El aguarrás mineral es el
sustituto ideal de la esencia de trementina, y lo encontramos en pinturerías y
ferreterías. Se obtiene del petróleo, y no envejece como la trementina ya que
es de evaporación algo más lenta, desapareciendo también por completo.
El problema tanto de la esencia
de trementina como del aguarrás mineral es su fuerte olor.
3) El disolvente sin olor
Para solucionar dicho problema
es que se ha inventado el disolvente o diluyentesin olor,
que podemos comprar en tiendas de bellas artes o en tiendas de pintura
doméstica.
Es un aguarrás mineral
desaromatizado. Si trabajamos en lugares poco ventilados (no recomendable) o
estamos en conjunto con otros alumnos por ejemplo en una academia, es necesario
usar este tipo de diluyente para no generar una atmósfera que pueda inclusive
derivar en mareos a ciertas personas.
No nos conviene usar algún tipo
de disolvente universal, ya que es un disolvente de tolueno fuerte muy potente.
¿Clases de pinceles
empelados en pintura al oleo?
Si
has ido ya a alguna tienda de arte, te habrás confundido con tanta variedad de pinceles para pintar al óleo que
te pueden presentar, pero para comenzar sólo es necesario unos pocos,
luego descubrirás tus preferencias.
Te
presento una guía básica para que te ayude a escoger los pinceles que necesitas
y avances un paso más en el conocimiento de cómo pintar al óleo.
Para
la pintura en óleo por lo general se usan pinceles de mango largo, ya que esto
permite ampliar el ángulo de visión y además dentro de la técnica adecuada , se
recomienda no apoyar la mano en el lienzo, para evitar mancharnos y dañar el
trabajo, ya que seca muy lento. También un mango largo nos ayuda a desarrollar
el pulso y la perfección en los detalles. Sin embargo también están disponibles
de mango corto para los pinceles usados en detalles o para pintar al aire
libre.
Tipos principales de pinceles
para pintar al óleo:
Tipos de pinceles según el origen
de los pelos:
Para
pintar en óleo los más utilizados son los de pelo de cerda, y sintéticos
entre otros. Estos últimos hoy en día se pueden encontrar de muy buena calidad
y a muy buen precio. También están los pinceles de pelo natural (como el de
marta), usados principalmente para detalles finos, difuminaciones, etc, pues
por su suavidad prácticamente no dejan huellas, pero su precio es algo elevado.
Puedes
comenzar con pinceles sintéticos o de cerdas, pero de buena calidad (el
vendedor de la tienda te podrá asesorar), para que los utilices mientras te
familiarizas con los colores, las técnicas y su cuidado. Te sugiero no comprar
los pinceles ultra-económicos ya que pierden los pelos muy fácil y se deforman
a tal punto que se dificulta pintar. Luego, cuando quieras avanzar en
este camino, vas eligiendo otros de mayor rango en cuanto a calidad.
Nunca te sobrarán los pinceles anteriores, pues son de gran ayuda al hacer
trabajos más “pesados”, efectos especiales o que exigen un trato un poco más
rudo.
Tipos de pinceles según la forma:
1. Redondos
Se
usan por lo general para hacer líneas y detalles. Exigen más cuidado,
pues su deterioro conduce a la pérdida de la forma. Para reconocer un
buen pincel redondo te recomiendo si es posible que lo sumerjas en un
poco de agua, ya que algunos pinceles de mala calidad logran la forma redonda
mediante gomas que unen sus pelos, pero al perderse ésta el pincel queda
“despeinado”.
Tiene algunas variantes como los avellanados, puntiagudos,
delineadores, etc.
2. Planos
Tienen sus pelos todos dispuestos del mismo tamaño y a la misma
altura, sirven para mezclar colores, esparcir el óleo en superficies, hacer
líneas tanto delgadas como gruesas, pinceladas cuadradas, etc.
Dentro de estos hay otras sub-categorías, como los cuadrados que
son más cortos, y los tipo brocha, que son para grandes superficies,
entre otros.
3. Lengua de gato
Es una fusión entre el pincel redondo y el plano, pues su forma
es achatada pero en sus extremos los pelos son algo más cortos, curvados hacia
el centro. Tiene gran versatilidad pues sirve para mezclar colores ,
hacer detalles, pétalos, hojas, contornos definidos, etc.
4. Abanico
Su nombre describe su forma, son de muy fácil manejo y
limpieza. Muy útiles a la hora de pintar follajes, pasto, nubes, texturas,
difuminaciones, etc.
Aquí te presento algunas otras formas comunes de pinceles:
*Las anteriores imágenes fueron tomadas y modificadas de
Pinceles Ca san.
Tipos de pinceles según el tamaño:
El tamaño a elegir depende del formato del soporte que se va a
trabajar y el nivel de detalle que quieras en tus cuadros. Por ejemplo,
si tu intención es pintar grandes cuadros, con poco detalle, pinceladas
amplias, pues obviamente elegirás pinceles más grandes que te ayuden a acelerar
el trabajo y lograr mayor perfección en cada pincelada.
Si por el contrario quieres hacer cuadros pequeños pero con buen
nivel de detalle te enfocarás por los más pequeños, teniendo el cuidado de
comprar uno de tamaño apropiado para algunas superficies más grandes como el
fondo o las primeras capas en las cuáles simplemente se esparce rápida y
“descuidadamente” una capa ligera de pintura.
Por lo general , los tamaños van del 1 para el más pequeño,
hasta el 12 para el más grande. Para algunos en particular se podrían
encontrar tamaños 00 e incluso tamaño 22.
Qué tipo de pinceles compro para comenzar a pintar?
Para comenzar podrías comprar un set de pinceles surtidos que
los venden de buena calidad y económicos, o un tamaño 4, 8 y 10 para pinceles
planos, 2 y 4 para pinceles redondos, tamaño 4 y 8 para lengua de
gato, uno abanico de tamaño medio y una brocha de tamaño medio.
Si definitivamente te gusta la pintura detallada, realista y en
la que no se noten los trazos del pincel será indispensable que compres
pinceles muy suaves (por ejemplo de pelo de marta o kolinsky), de tamaños más
bien pequeños y pinceles difuminadores como los de punta mop tamaño mediano o
abanicos muy suaves.
Aquí te presento una imagen para que veas las dimensiones
aproximadas de cada tamaño de pincel.
*Imágenes obtenidas Kem Bromley
art supplies
Ahora tienes una idea de los pinceles para pintar al óleo que
tendrás que comprar, ponlos en tu lista y da el primer paso en este
¡maravilloso aprendizaje!
¿clase de temples empleados en pintura al oleo?
Las técnicas
No es nuestra finalidad
dar a conocer de manera detallada todas las técnicas pictóricas, que por sí
solas serían objeto de un sólo y amplio estudio especializado, sino dejar
constancia de su existencia a lo largo de la Historia del Arte. Cabe observar
que la técnica pictórica tiene múltiples modalidades dentro de unos grandes
apartados que intentaremos definir. Cada artista tiene su técnica, que si en la
actualidad es fácil de saber, en la Antigüedad se guardaba celosamente como
invariante de cada artista.
En la Prehistoria se
utilizaba el carbón vegetal, pigmentos a base de hierro -rojo- y manganeso -negro-, y también,
esporádicamente, sangre y caseína, todos
ellos mezclados con grasa animal que cumplía la función de aglutinante.
El temple, el fresco y la encáustica son tres técnicas que se iniciaron en el mundo antiguo
grecorromano y egipcio. La técnica del temple tiene múltiples formulaciones y fue utilizada como procedimiento
de pintura mural. En Egipto se aglutinaban los pigmentos con agua y goma, colas
y huevo, aplicándolos en zonas concretas, sin mezclar los colores. Generalmente
es la yema de huevo, mezclada con látex de retoño de higuera y agua, la manera
empleada por los grandes pintores italianos del Trecento y del Quattrocento,
tales como Cimabaue, Giotto, Fra Angélico, Mantegna…, añadiéndose a veces al
fresco, para crear una técnica mixta que permitía las
veladuras. Este parece ser el caso de Giotto en las pinturas murales de la Capilla Bardi en la iglesia florentina de la Santa Croce.
En la evolución plástica pictórica del mundo moderno, el temple
ocupa un lugar de honor en el Quattrocento italiano, siendo sustituido a
finales del siglo por las primeras experiencias al óleo. La técnica del temple se realiza por yuxtaposición de colores y no por superposición. Cennnini explica de manera admirable el
proceso: «Comienza a dar color oscuro -se refiere a los vestidos- formando los
pliegues, en las zonas de sombra de la figura; y como del mismo modo toma un
color intermedio, haz resaltar los relieves de los pliegues y de la parte en la
que da menos luz a la figura. Después toma el color más claro y colorea los
relieves y las partes salientes de la zona iluminada de la figura. Y del mismo
modo que has comenzado, sigue poco a poco con los diferentes colores, primero
con uno, luego con otro, haciéndolos destacarse y volviéndolos a unir con buen
sentido, difuminándolos con delicadeza». Fra Angélico lo aplica de manera
perfecta.
El fresco es la modalidad técnica más frecuente en la pintura mural. Se
realiza sobre revoque de cal húmeda que sirve de soporte para los diversos
pigmentos disueltos en agua. Los colores utilizados son preferentemente de
origen mineral: blanco de San Juan (carbonato cálcico) y cal muerta (hidróxido
de calcio) para el blanco; ocres naturales y tostados para el amarillo y el
rojo; tierras para el rojo y el verde; lapislázuli para el azul; sombra de
hueso natural y tostada para los marrones; y negro de marfil, de hueso o de
carbón de vid para el negro. La realización del fresco precisa una gran
preparación técnica y no permite rectificaciones, ya que éstas se hacen muy
evidentes. Se emplea la sinopia, es decir, un dibujo
preparatorio sobre el revoque que permite fijar los contornos y marcar las
jornadas en las que se realizará la obra. Su origen, con variaciones en la
técnica, hay que buscarlo en las culturas pinturas antiguas del Próximo Oriente
-Mesopotamia, Asiria- y del Mediterráneo -Creta, Grecia y Roma-, encontrándose
también ejemplos en China y en la India. Sin embargo, es a partir de Bizancio
cuando adquiere una importancia capital que se acrecentará en los períodos
románico, gótico y renacentista. Recordemos a título de ejemplo las pinturas
románicas del Pirineo catalán y las obras de Giotto -siglo XIV-, Masaccio -siglo
XV- y Miguel Angel -siglo XVI- en Italia. La gran decoración barroca tiene
ejemplos esplendorosos que van de Annibale Carracci en la galería Farnese, de Roma, a Tiépolo en el Palacio Real de Madrid. En el siglo XIX Goya destaca por su técnica libre, que
podemos admirar en la ermita deSan
Antonio de la Florida en Madrid. La escuela mejicana actual -Rivera, Orozco- ha aplicado
de manera ortodoxa esta técnica a sus monumentales murales.
Algunas modalidades de
pintura sobre muro se acercan del fresco, sin adquirir las tonalidades de
aquél. Así podemos citar elfresco-seco, que aplica los pigmentos
en la pared casi seca, para terminar la obra con colores mezclados con agua de
cal (mezzo-fresco). A este procedimiento
mixto podemos añadir los preparados actuales y la pintura al óleo, que se
utilizan sobre el muro, y varias técnicas propias de cada autor.
El fresco es, dentro de la pintura
mural, la técnica más empleada. Su base es un dibujo muy preciso -uso de la
sinopia-, que no permite al autor ningún tipo de veleidad plástica, ni
rectificación. Generalmente es utilizado en grandes narraciones cíclicas -mundo
gótico y renacentista- o decorativas -mundo barroco y rococó-. Su proceso
creativo, que obliga al artista a trabajar de manera sucesiva zonas concretas, permite que podamos saber con exactitud la jornadas empleadas
por un autor al ejecutar su obra.
La encaústica es una preparación a base de colores diluidos en cera fundida, que
cumple la función de aglutinante y cuya aplicación se realiza en caliente. Su
invención se atribuye a Polignoto y en las fachadas de los templos dóricos ya
hay testimonios de esta clase de pintura, que comúnmente se aplicaba en
pequeñas tablas de madera debidamente preparadas.
La pintura mural, a la que se aplicaban las técnicas anteriormente comentadas,
tiene en el esgrafiado una de sus formas eminentemente decorativas. SU proceso es sencillo.
Se da color tiñiendo el mortero de la última capa de un fresco aplicada en
húmedo. Sobre ella se añaden, también sobre húmedo, dos encalados fuertes.
Sobre el último encalado se dibujan los contornos de las composición, a la
manera de la sinopia del fresco, y se rebaja con una incisión con inclinación
hacia fuera, de modo que se consigue un efecto bicromo. Se aplica comúnmente a
las fachadas y su cronología se remonta al mundo renacentista. Fue empleado
mayoritariamente en el siglo XVIII y en nuestro siglo, como sistema decorativo
en arquitectura de clara connotación clasicista.
El óleo es la técnica pictórica más conocida y empleada sobre tela o
tabla. Consiste en una mezcla de pigmentos coloreados con aceite, generalmente
de linaza o de nuez. Carece de base el atribuir a Van Eyck su invención, ya que
era conocida desde la Antigüedad y Cennini en el siglo XIV ya hacía mención de
esta técnica. Fueron, sin embargo, los flamencos del siglo XV los primeros que
de manera sistemática lo utilizaron. Sus ventajas son múltiples, destacando el
color brillante y la posibilidad de rectificaciones por superposición de
pinceladas, lo que da una mayor libertad de ejecución al pintor. Sin embargo,
con el tiempo, estos errores se hacen visibles (arrepentimientos). A partir del siglo XVI su práctica se generalizó aunque el
carácter artesanal con el que se fabricaban los colores nos llevaría a una
enumeración casi infinita de fórmulas preparatorias. Sin embargo, cabe citar,
por contraste, las formas casi planas de Van Eyck y las pastosas de un Rubens.
El primero eliminaba materias grasas del aceite por la evaporación de las
glicerinas, mientras el segundo utilizaba un aceite espesado, en el que añadía
trementina y un barniz blando de resina, y en ocasiones cera de abeja, en la
proporción de un tercio. En la actualidad, las fórmulas de pintor han
desaparecido debido a que la mayoría de artistas utilizan pintura al óleo
preparada en pequeños tubos. Esto ha impedido la degradación técnica que se
inició en el siglo XVIII, pero ha cortado de raíz cualquier tipo de
investigación.
La invención de la pintura al óleo ha sido atribuida erróneamente a Van Eyck, aunque su empleo
sistemático por los flamencos del siglo XV ha abundado en esta hipótesis. Quien
mejor define sus virtudes es Vasari, al escribir: «El descubrimiento del color
al óleo fue una bellísima invención de una gran comodidad para el arte de la
pintura… Esta forma de pintar enciende más los colores y no requiere más que diligencia y amor, porque el óleo en sí
vuelve el color más mórbido, más dulce y delicado y de uniones y esfumados más
fáciles; y en suma, los
artistas dan de este modo, a sus figuras, una bellísima gracia, vivacidad y
gallardía, de tal forma que muchas veces sus figuras parecen tener relieve y
separarse de la tabla, sobre todo cuando están realizadas con buen disegno, invecione y
bella maniera.»
Otra técnica afín a la
pintura sobre tela o tabla es la acrílica. Consiste en una
combinación de moléculas de acrilato en emulsión con agua. Esto la hace muy
flexible y de secado rápido -al contrario del óleo-, al igual que resistente a
los agentes atmosféricos. Sin embargo, su aplicación es cada vez menor,
volviendo la mayoría de los artistas a la técnica del óleo.
La pintura llamada de
caballete ha incorporado nuevas maneras. De entre ellas destacaremos tres: la matérica, el collage y lacinética. La primera consiste en
el empleo de tierras y materiales minerales que, unidos al soporte por medios
adherentes, cumplen la función sígnica de la pincelada clásica. Tàpies es uno
de los ejemplos más sobresalientes y universales. El collageconsiste en la adición de diversos materiales -fotografías,
periódicos, objetos…- que conforman la composición. Generalmente preexiste una
base de óleo o acrílico. El cinetismo busca el movimiento de la
composición e introduce elementos añadidos y artilugios técnicos, aunque a
veces utiliza los trucos perspectivos y los engaños ópticos.
Una técnica eminentemente
decorativa es la laca. Su origen es chino y
alcanzó su apogeo en la época Ming. Su introducción en Europa se realizó en el
siglo XVII, siendo, sin embargo, el siglo XVIII el que mayoritariamente utilizó
esta manera artística para la decoración de mobiliario. Consiste en un barniz
duro y brillante, hecho con látex, producto extraído de especies arbóreas del
Extremo Oriente (anacardiáceas).
Conocidas las formas
comunes de los que tradicionalmente conocemos por pintura, pasamos al dibujo,
sin dejar de reseñar la mutua interacción de ambas prácticas artísticas.
El dibujo constituye generalmente la fase previa de la realización
artística. Se constituye así en proyecto, esbozo, boceto, modelo, cartón, de
una obra pictórica. Sin embargo, a partir del silo XVIII adquiere un carácter
individualizado que lo potencia y lo convierte en elemento artístico en sí
mismo. Este valor individual está potenciado en el Lejano Oriente -China y
Japón-, donde la palabra hua designa a la pintura, el
dibujo y la escritura como elementos plásticos valorados a un mismo nivel.
En el apartado de los
instrumentos ya hemos hablado de las formas más corrientes del dibujo, siendo
el papel su soporte más habitual.
Una de las características
que comúnmente se asocian al dibujo es la de su relativa brevedad de ejecución.
Querríamos rectificar esta afirmación que, si bien es cierta en tiempos
pasados, en los que el dibujo es previo a la ejecución pictórica, no es
aplicable a los tiempos modernos, en los que ha alcanzado categoría artística
propia, no dependiente de ulteriores formulaciones plásticas.
Las composiciones sobre el
papel tiene distintas denominaciones según la técnica empleada. Las más comunes
son el dibujo al lápiz, carbón,
sanguina -ya comentadas anteriormente- y el pastel, cera, acuarela,
gouache y miniatura.
El pastel es una técnica que se ejecuta en seco. El pigmento utilizado es
molido con un aglutinante a base de color y conformado luego en barritas
cilíndricas. Su máxima virtud es que consigue unas cualidades aterciopeladas,
aunque su mayor peligro es su fragilidad a las vibraciones, los roces, la
acción del sol y la humedad. Se difundió en el siglo XVIII, sobre todo en
Francia, aunque más recientemente hay que citar a Degas y Picasso.
La cera es más grasa. Su procedimiento consiste en una mezcla de colores
disueltos en cera líquida mezclada con esencia y otra sustancias. Su
presentación es parecida a las barritas de los pasteles, aunque su adherencia
al papel y sus efectos expresivos son mayores.
La acuarela utiliza únicamente colores transparentes y ligeros, aglutinados
con goma arábiga o del Senegal, consiguiendo losefectos de la luz por el
blanco o tono de fondo y sin intervención alguna
del pigmento blanco.
La diferencia del gouache con la acuarela consiste en la utilización de colores opacos y de algo pastosos y blanco llenando toda la superficie del soporte. El origen de la acuarela
encontrar en las páginas iluminadas del mundo medieval, desarrollándose a
partir de Durero y alcanzando en los siglos XVIII y XIX francés e inglés su
máximo apogeo.
La miniatura es como una pintura al gouache o acuarela pero con la incorporación de aglutinantes como goma
arábiga, clara de huevo… A veces incluye el óleo y aplicaciones en oro.
Conocida desde el antiguo Egipto –Libro
de los Muertos-, tuvo en el mundo medieval su momento de esplendor.
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